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RICEVIAMO E PUBBLICHIAMO 


Si è conclusa, con la consegna agli Organi Costituzionali, la raccolta firme a sostegno della petizione sorta all’indomani della notizia del trasferimento, disposto dal CSM, ad altra sede e funzione del Procuratore Capo di Castrovillari (CS) dr. Eugenio Facciolla.

Abbiamo raccolto oltre 5000 firme sia in formato cartaceo sia online, attraverso il sito charge.com,  non sono certo poche considerando il poco tempo a disposizione.

Quello di cui siamo orgogliosi è che abbiamo avuto consensi dappertutto, anche dall’estero. Tanti i corregionali, per lavoro fuori, che hanno espresso, firmando liberamente, il loro “NO” al citato trasferimento. Dall’ Usa, Inghilterra, Svizzera, Tunisia , Germania; molti i calabresi ed i cittadini del resto d’Italia, che firmando hanno inteso far propria l’ingiustizia che si sta perpetrando ai danni del magistrato Facciolla e della Calabria, terra sempre più martoriata. Hanno manifestato il loro dissenso a questo ennesimo scippo da parte dello Stato, ed espresso anche, perchè no, un gesto di affetto e riconoscenza nei confronti di un Alto Servitore dello Stato, magistrato onesto ed integerrimo che, schivo e lontano dai riflettori, sta affrontando questa situazione in silenzio e con quella signorilità che lo ha sempre contraddistinto.

Forse tutto questo non servirà a nulla, ci sono giochi di potere molto più forti, ma le Istituzioni devono sapere che c’è una gran parte d’Italia che ancora crede ci possa essere un barlume di Giustizia.

Quello che però ci lascia ancora più  basiti è che il ministro Bonafede ed il CSM, a fronte dei recenti scandali che hanno investito la magistratura calabrese, non abbiano speso una parola in merito, né preso provvedimenti disciplinari d’urgenza così come invece è stato fatto nei confronti del dr Facciolla per il quale lo stesso Bonafede, eludendo la richiesta di sospensione del provvedimento di trasferimento, ha disposto, il 13 dicembre scorso, il trasferimento immediato a Potenza del Magistrato.

Ci troviamo forse di fronte a figli e figliastri ??

Concetta Tiano 

La cosa straordinaria del mio lavoro è che mi capita di imbattermi in artisti così bravi che mi fanno divenire affamata di bellezza. Ricevo tanto materiale da ascoltare e mentre ascolto, a volte resto impigliata in un’idea, non soltanto in una bella esecuzione. E ultimamente la mia attenzione va in quella direzione ossia oltre la bravura, lì dove il talento si apre, prende respiro, decanta a si trasforma … e poi appaga. Questo mi è successo ascoltando il nuovo lavoro di Enrico Olivanti, SYNPHONIA, un strada tracciata all’interno della dimensione sonora che così diventa luogo, spazio, pura percezione; una narrazione, una storia di cui anche l’ascoltatore ne diviene protagonista.
Avevo già conosciuto Olivanti come chitarrista jazz talentuoso, schivo, non incline all’autocelebrazione, profondo conoscitore delle partiture, un musicista autentico, attento e raffinato; lo avevo già conosciuto attraverso il suo album “Il pensiero positivo” e già avevo ammirato la sua arte, fatta di dedizione, di ricercatezza e di capacità di “condurre” nel senso di “portare a destinazione” e la musica è un viaggio.
Su di lui avevo ancora tanta curiosità e così è nata questa intervista:

 

SS: Italianissimo, musicista e compositore, vivi, studi e lavori in Germania. Raccontaci cosa fai in Germania e dalla Germania

EO: Vivo in Germania dal 2015, anno in cui mi sono trasferito dapprima a Berlino per assaporare e vivere da dentro l’atmosfera unica di questa grande capitale artistica e culturale d’Europa.
Appena trasferitomi ho ricevuto la notizia di essere stato ammesso per un Master in Composizione alla Hochschule für Musik Carl Maria von Weber di Dresda con una lauta Borsa di Studio del DAAD (Servizio tedesco di scambi accademici).
Da allora ho avuto ed ho l’opportunità di espandere la mia ricerca e attività artistica proseguita poi per altri due anni nella Meisterklasse, una sorta di corso di alto perfezionamento nel quale grazie a una nuova lauta Borsa di Studio dello stato federale della Sassonia da me vinta ho potuto finanziare e approfondire i miei progetti artistici.
In questi anni ho avuto l’opportunità di lavorare in ogni ambito della creazione musicale come Compositore, dall’Orchestra Sinfonica (Landesjugendorchester Sachsen, Mittelsächsische Philharmonie, Dresdner Bläserphilharmonie) alla Big Band, all’Orchestra di Fiati da Camera, Duo Chitarra e Batteria, Duo con Elettronica, Installazione, Musica da Film e formazioni jazzistiche classiche (Quartetto, Trio), nonché collaborazioni con solisti al Pianoforte e al Violoncello.
Nel contempo sono riuscito anche a lavorare in Italia ad un progetto in Teatro in collaborazione con il Teatro Porta Portese di Roma nel 2015/16 con il mio Enrico Olivanti Quintet: La Musica che Gira Intorno.
Al momento porto avanti la mia attività artistica su vari dei fronti sopra elencati, innanzitutto gestendo progetti da me fondati come  l’Ensemble NOI di 10 elementi, il Quartetto PEGASUS, il Duo con Joao Raineri e quello di Composizione spontanea e Performance elettroacustica con Milos Tschubenko, oltre che come Compositore freelance.
Dalla Germania porto avanti inoltre il progetto che da più anni mi lega all’Italia, ovvero l’Enrico Olivanti Quintet.

SS: Qual è stato il momento preciso in cui non hai avuto più dubbi e hai pensato: “la Musica sarà il mio futuro, costi quel che costi?”

EO: Se devo trovare un momento preciso credo debba tornare con la memoria indietro a una Domenica mattina dell’anno 2006, a Perugia in Piazza 4 Novembre l’ultimo giorno del Festival Umbria Jazz.
Avevo preso parte ai corsi estivi della Berklee College of Music di Boston e per me era stata la prima esperienza in mezzo a giovani musicisti provenienti da tutta Italia, alcuni addirittura dall’estero.
In quei 10 giorni avevo conosciuto persone e musicisti splendidi, alcuni dei quali figurano fra i talenti di punta della scena italiana ancora oggi, e quella mattina, dopo una nottata passata in giro a godersi gli ultimi momenti di questa esperienza, mi ero alzato con la voglia di andare a vedere chi di quei musicisti avrebbe coronato quei 10 giorni ricevendo il riconoscimento dal prestigioso ateneo americano.
Ricordo ancora lo stupore mentre, parlando con un amico, si avvicinò la traduttrice dei Docenti americani per chiamarmi sul palco a ricevere io quel riconoscimento. Se mi avessero eletto Papa per acclamazione sarebbe stato meno sorprendente in quel momento!
Ancora stordito dall’emozione e dallo stupore scesi dal palco e incontrai per caso uno dei miei musicisti preferiti in assoluto, Antonio Sanchez, il cui autografo conservo ancora gelosamente.
Non so se è successo in quel momento, ma da quel momento  in poi solo l’idea di non fare della Musica la compagna fedele e irrinunciabile della mia Vita non mi ha più neanche lontanamente sfiorato.

SS: La domanda è di rito, ma io te la pongo perché mi interessa davvero: la musica che ti ha condotto a fare questo mestiere, quella che mettevi su e più l’ascoltavi e più ti ispiravi, e più ti innamoravi, è la stessa che oggi ascolti quando stacchi tutto e vuoi riconciliarti con il mondo?

EO: Senza ombra di dubbio è la Musica dei Beatles.
Li ascolto da quando avevo 12 anni, la prima volta che fui sfiorato dall’idea di farmi regalare una chitarra fu quando a 10 anni ascoltai una musicassetta di John Lennon e non esiste altro fenomeno musicale nel quale, nonostante gli anni, riesco a trovare sempre una nuova fonte di ispirazione come se fosse la prima volta.

SS: Cos’hai provato la prima volta che ti si sono rivolti a te chiamandoti “maestro”?

EO: In realtà niente perché credo che la prima volta fu una delle tante in cui io e i miei colleghi/amici/compagni di studio ci siamo chiamati per scherzo “maestro”.
Credo sia un termine che da una parte può incutere una certa riverenza verso l’autorità, e questo è il lato che mi piace di meno.
Dall’altra parte però può essere un termine che ancora racchiude l’aspetto puramente artigianale dell’essere musicista, nonché il suo connotato pedagogico che può essere di guida per le generazioni più giovani. Ecco, questo secondo significato, che fa del “Maestro” di turno nient’altro che il tedoforo il cui compito è passare il Testimone della bellezza della Musica, è forse quello che mi piace di più.

SS: Quando ti parte l’idea, quella che poi diventerà una composizione, già pensi alle parti di tutti gli altri strumenti? insomma cose da direttori d’orchestra …

EO: E’difficile raccontare o spiegare la nascita di un’idea musicale, innanzitutto perché credo che ognuna sia diversa.
Mi è capitato di incominciare da un motivo melodico, da una sequenza di accordi, da un ritmo, da una tinta orchestrale, da una struttura numerica, da appunti presi dopo aver intervistato il solista per cui scrivevo, da un timbro campionato…insomma, ogni composizione ha una storia a sé.
Se c’è però una cosa che cerco di fare sempre, al di là dello Stile e della prassi compositiva che variano da caso a caso, quella è l’immaginarmi il Mondo nel quale la mia Musica deve avvenire. In questo senso mi piace ragionare come uno scrittore o un regista cinematografico, come se dovessi costruire le mie città invisibili alla Italo Calvino o i mondi stellari lontani lontani nell’Odissea nello Spazio di Stanley Kubrick. Cerco di immaginare le tinte, la qualità sonora degli elementi in gioco e instaurare con loro un rapporto che è quello che qualsiasi drammaturgo ama instaurare coi propri personaggi, che alla fine altro non sono che frammenti della propria Anima tramite i quali l’Autore stesso si rispecchia nell’Anima del Mondo.

SS: La musica è un linguaggio e come tale contempla una conoscenza di base e una capacità comunicativa. Qual è l’aspetto più difficile del dover “arrivare”a destinazione, e dunque del creare l’empatia affinché quel linguaggio possa accogliere quanta più gente possibile.

EO: Credo che la sfida più grande sia sempre quella di arrivare a toccare i sentimenti e le suggestioni più reconditi e talvolta rimossi o repressi degli esseri umani.
Al di là degli stili e delle classificazioni di genere credo che le opere musicali più “vive” siano quelle che hanno avuto successo nel toccare tensioni e aneliti propri dell’essere umano ed universali nel tempo e nello spazio, o quantomeno fortemente presenti in una determinata epoca.
Molte volte si tratta anche di pulsioni arcaiche o legate agli istinti primari, i quali come a volte fa la politica, anche l’Arte può strumentalizzare, speculando a meri fini commerciali o edonistici. D’altro canto però è propria dell’Arte o, come amo pensare, della Poesia la capacità di trascendere questo piano elevandolo a qualcosa di inedito riuscendo a congiungere in maniera appunto poetica la natura che ci apparenta alle viscere della terra con quella che ci rende vicini alle stelle.
Una continua ricerca in se’ stessi e nell’universo sociale e naturale che ci circonda può accompagnare ognuno di noi lungo questo bellissimo percorso che può fare della nostra Musica qualcosa di veramente prezioso.

SS: La tua formazione ideale? quel famoso Enrico Olivanti Quintet de”Il Pensiero Positivo”?

EO: L’Enrico Olivanti Quintet più che una formazione è per me una seconda famiglia, dato che insieme abbiamo mosso i primi passi nel mondo musicale e amiamo suonare e fare musica insieme tanto quanto ridere, scherzare e passare tempo insieme.
Detto ciò credo che la mia formazione ideale sia quella in cui mi è data la possibilità di sedermi e fare Musica imparando da chi ho accanto e potendoci condividere i sogni, le suggestioni e le vibrazioni più profonde con lo stupore e la meraviglia di un bambino che entra per la prima volta al cinema per vedere un film di fantascienza o il suo cartone animato preferito e tanto atteso.
Per questo cerco sempre di suonare con persone che da qualche parte hanno con se’ una valigia pronta a riempirsi per poi imbarcarsi per un volo o salire su un treno lasciandosi sorprendere di volta in volta dalla destinazione sempre nuova.

SS: Tu sei un chitarrista jazz e di musica contemporanea. Il jazz è terreno fertile per nuove sperimentazioni. Tu, ad oggi, in che direzione stai andando? Dove è diretta la tua ricerca sonora?

EO: Il mio attuale ambito di ricerca si snoda attraverso vari aspetti.
Innanzitutto da un anno e mezzo a questa parte ho intrapreso una ricerca negli ambiti della Musica elettronica, del Sound Design e delle Installazioni che vedo come una naturale prosecuzione della mia ricerca timbrica e formale in ambito sinfonico e cameristico, anche tramite l’approfondimento del rapporto fra l’uomo e la propria percezione  e consapevolezza dello Spazio e del suo contesto tramite il suono.
Questi aspetti e quelli relativi alla Performance in tal senso sono anche oggetto del mio ultimo lavoro SYNPHONIA, che sarà eseguito di nuovo in Germania nel 2021 e spero presto anche in Italia, dove sogno di vederlo in un Anfiteatro antico, greco o romano.
In cantiere poi c’è un progetto che mi vede impegnato in un viaggio fisico e mentale che sarà tradotto in un lavoro per il quale intanto sto scrivendo il Testo letterario, ma che farà tesoro anche delle mie ultime ricerche in ambito strettamente sonoro.

SS: Quando esce un nuovo lavoro, cosa ti gratifica di più, il riscontro della critica o del pubblico?

EO: In genere mi gratificano i commenti dei singoli individui, che siano essi critica o pubblico poco importa, nei quali riscontro di aver toccato qualcosa nel profondo.
Mi è successo per esempio dopo la prima esecuzione del mio lavoro Was Zusammen gehört per la Dresdner Bläserphilharmonie incentrato sul tema delle vicissitudini della città di Dresda fra il bombardamento del 1945 e le nuove sfide di integrazione: una anziana donna è venuta da me dopo il concerto e mi ha detto che ha dovuto resistere per poter ascoltare il brano fino alla fine perché si è trovata di punto in bianco di nuovo bambina sotto il bombardamento alleato del 13 Febbraio 1945 che distrusse la città e fece migliaia di vittime, e che neppure un Requiem scritto anni prima per commemorare le vittime era riuscito a riportarla in quei giorni e in quelle sensazioni così come il mio brano.
Un altro grande regalo avviene ogni volta che qualcuno mi scrive  (e succede ancora dopo quasi 6 anni) ricordando la presentazione romana de “Il Pensiero Positivo” dicendomi di aver deciso quella sera di voler fare un proprio progetto e dare voce alla propria vena artistica. Ecco, li non si tratta solo di riscontro in termini di giudizio, bensì di un qualcosa che ti fa capire di aver fatto qualcosa di utile che va al di là del mero riscontro personale.

SS: Perché in Italia non c’è il giusto spazio per compositori di talento, che poi sono apprezzatissimi all’estero? Dove si inceppa un percorso artistico?

EO: L’Italia è un paese straordinario dal punto di vista del talento artistico, che non ha nulla da invidiare a paesi come la Germania, la Francia o gli Stati Uniti.
Esistono però due barriere fondamentali che rendono molto difficile l’affermarsi di personalità oblique al sistema in Italia.
La prima è rappresentata innanzitutto dalla nostra assoluta incapacità di fare Sistema senza scadere nella mafia o nel nepotismo.
Un esempio su tutti è lo stato vergognoso dell’insegnamento musicale in Italia, nel quale fino a poco tempo fa nessuna associazione di categoria ha per esempio salvaguardato la garanzia di un salario minimo orario per gli insegnanti di Musica nelle scuole soprattutto private, cosa che per esempio accade in Germania. Ciò ha permesso e forse ancora permette ad esempio l’esistenza di strutture private ormai elevate al rango universitario con rette annuali da università privata, in cui però la maggior parte del personale docente riceve una paga che è la metà dello standard europeo. Questo oltre a umiliare dei professionisti degnissimi delimita lo spazio di questi ultimi affinché possano portare avanti la propria attività artistica accanto a quella didattica, mutilando di fatto sia l’una che l’altra.
Per fortuna negli ultimi anni sono nate alcune realtà virtuose, almeno da quanto vedo da lontano, come il MiDJ e le varie affiliate associazioni di categoria in ambito per ora jazzistico, che si stanno ponendo questioni come la sopracitata e stanno cercando di colmare questa nostra mancanza di capacità nel fare Sistema in modo trasparente e efficace in ciò che concerne l’ambito artistico.
Il secondo dramma riguarda un nostro rapporto un po’ malato con tutto ciò che riguarda la rottura con una certa tradizione consolidata e l’apertura ad ambiti che notoriamente vengono etichettati come Underground.
Il fatto che ancora oggi la maggior parte dei Promoter, degli agenti culturali, dei discografici, dei Direttori artistici di Festival si ostinino a relegare in spazi sempre più stretti e angusti (se va bene, altrimenti nemmeno quelli) tutto ciò che non rientra in un mainstream ormai da tempo esaurito e inflazionato amputa il nostro paesaggio artistico di alcune delle sue migliori risorse e potenzialità, generando forse la causa primaria del fenomeno di emigrazione culturale dal nostro Paese.

Simona Stammelluti 

Nel tardo pomeriggio di oggi il Tribunale di Cosenza ha convalidato l’arresto di Ivan Pucci il Maresciallo comandante della Stazione Carabinieri di Carolei, confermando altresì la misura degli arresti domiciliari almeno fino alla prima udienza che si terrà a metà febbraio c.a.

Pucci, 50 anni, è accusato di sequestro di persona e lesioni ai danni del Capitano Giuseppe Merola, comandante della Compagnia Carabinieri del capoluogo Bruzio, condotto poi al nosocomio cosentino dove gli è stata consegnata una prognosi di lesioni guaribili in 30 giorni.

Sembrerebbe che il Maresciallo avrebbe reagito in quella maniera a seguito di un trasferimento da Carolei a Corigliano-Rossano. Lo stesso questa mattina ha ingerito dei farmaci, presumibilmente per nuocersi. Anche Pucci pertanto finisce all’ospedale.

Sta di fatto che tra cavalierati, titoli vari e chi più ne ha più ne metta, questa storia non ha nulla di nobile.

Così inizia il nuovo anno.

 

Simona Stammelluti 

 

Gianni Amelio è un regista sofisticato, capace di condurre lo spettatore a provare empatia verso i personaggi, avvicinandoli ad essi tanto quanto basta per poterli amare o anche giudicare all’occorrenza; fa riflettere, questo suo ultimo lavoro ma senza però strappar via pezzi di realtà che sono stati pesanti, negli anni in cui gli eventi sancirono una brutta pagina della politica italiana e la fine della prima repubblica.

Non è un film che attinge a piene mani a documenti ufficiali, non è un film politico e non è un film che vuole riabilitare Bettino Craxi; Hammamet è un film che parla di un uomo sul quale pesavano delle condanne, che si era esiliato, che non rivedrà più l’Italia che aveva servito, e che nell’ultimo tratto della sua esistenza fa i conti con la rabbia, con la sensazione di impotenza – intesa proprio come perdita totale di potere – con una malattia invalidante e che nel rapporto con sua figlia (nel film si chiama Anita) che è dedizione, sostegno e forza, malgrado tutto.

Il film è girato nei luoghi veri che furono quelli di Craxi ad Hammamet, e che diventano un set perfetto, già pronto, nel quale si muove un Pierfrancesco Favino in uno stato di grazia, impeccabile, straordinariamente bravo, che non gioca a fare Craxi ma diventa Craxi in una maniera sorprendente, corpo, voce e anima, raccontando l’uomo, con le sue contraddizioni, i difetti, le delusioni e una voglia di rivalsa e di un riscatto che non arriverà.

La storia di Amelio è inventata, ma con cognizione di causa, con maestria. Mostra – attraverso le parole stesse del suo personaggio – le vicende dei finanziamenti ai partiti, delle bustarelle in cambio di favori, le tangenti, “i soldi rimasti attaccati alle dita”, come si dice nel film – in quel passaggio quando un politico (un eccellente Renato Carpentieri, già protagonista del precedente film di Amelio, “La Tenerezza”) va a far visita a Craxi;  ma anche quella linea sottile sulla quale si muoveva la volontà di avere un capro espiatorio da mostrare come un trofeo, mentre tutto il mondo politico era corrotto.

Attorno al personaggio centrale – del quale mai viene fatto nome, così come per il partito politico che egli guidò, ma del quale si fa accenno in apertura della pellicola con la ricostruzione di quello che fu il 45° congresso del Partito Socialista Italiano, quello del 1989 all’ex Ansaldo, quello con la piramide di Filippo Panseca, storico scenografo dei congressi craxiani – ruotano personaggi di fantasia, ed è con essi che Amelio compie il miracolo di poter raccontare l’uomo sulle cui spalle pesarono errori e condanne ma anche una intimità che il regista scruta e racconta con garbo. La famiglia, un nipotino che lui chiama “generale” e che in una scena del film, sulla spiaggia, con un modellino di aereo e soldatini, racconta, a modo suo, la notte di Sigonella. Nipote di un nonno amorevole con un debole per le imprese che furono dei Mille. E poi il figlio di un dirigente morto forse suicida – Giuseppe Cederna, amico di lunga data di Craxi che lo mette in guardia sui rischi che corrono continuando con le tangenti e che nel film Craxi liquida, invitandolo a tornare alla sua vita che poi sarà il suo triste destino – che serve al regista per raccontare come il malaffare era sinonimo di politica e non viceversa, e che la politica era in grado di rovinare le vite di chi ad essa si dedicava.

Ed è a quel Flavio che si reca in Tunisia per consegnare una lettera scritta dal padre, che il protagonista del film consegnerà attraverso un video, dei segreti che non furono mai di nessuno, neppure della sua adorata figlia.

Perché di segreti ce ne saranno stati, questo Gianni Amelio lo sa e lo racconta, a modo suo; E a modo suo è anche raccontare la nostalgia verso quell’Italia che il Bettino del film riesce a vedere da un punto preciso della spiaggia, “quando è sereno”.

Racconta i luoghi, Amelio (per questo il film si chiama Hammamet) e quello che in essi si compì, provando a disegnare un ritratto di ciò che fu in quegli anni, fino alla morte del protagonista, ed ogni tratto di quel disegno filmico è delusione, rabbia, illusione, rancore ma mai rimpianto. C’è in questo film il senso dell’abbandono, della fine, del finale della storia umana e politica.

Un personaggio, quello raccontato da Amelio che mostra molte debolezze, compreso l’amore clandestino, che riappare nelle fattezze di Claudia Gerini, che si reca in Tunisia perché vuole assolutamente rivedere l’uomo amato e che a sua volta la rivede perché sa che sarà l’ultima volta.

Immagini di un Craxi bambino, dispettoso e fiero, della derisione cabarettistica dell’uomo che non si può più difendere, raccontata come in un sogno, al posto dell’evento del lancio delle monetine, contro il leader politico.

Le musiche belle, di Nicola Piovani, una fotografia impeccabile di Luan Amelio Ujkaj immagini nitide all’occorrenza, i colori vividi di una Tunisia piena di fascino, una “realisticità” incastonata in dettagli di un’epoca, quella della fine di un secolo, che ti portano indietro e ti inducono a ricordare ciò che forse, si è provato a dimenticare, perché ricordare significa fare i conti con chi era, con chi eravamo.

Forse non tutti noteranno il cambiamento da 16:9 a 4:3 del taglio filmico, che il regista usa per facilitare il racconto, nell’inquadratura di Favino che buca lo schermo e parla dritto allo spettatore.

Vien voglia di capire, di andare a fondo, di scovare la verità ed anche quei segreti, morti insieme a Craxi, che ad oggi forse, nel terzo millennio, farebbero tremare i palazzi.

Ma la verità è che uscendo dal cinema viene voglia solo di lodare un bravo Gianni Amelio che ha fatto un film che non nasce, per non scontentare nessuno, ma per narrare una probabilità, perché nel cinema, le storie sono tutte possibili, se ben raccontare.

Simona Stammelluti

Da oggi in teatro ci sarà ancor più silenzio; per Nellina Laganà il sipario è calato per sempre. L’attrice siciliana, malata da tempo, è morta la scorsa notte nella sua casa di Catania.

Aveva 72 anni, era nata a Siracusa, da tempo viveva a Catania e aveva dedicato tutta la sua vita al teatro.

il sindaco di Catania, dove viveva da sempre, ha scritto su Facebook: “Nellina Laganà se n’è andata stanotte. Ha lottato per anni contro un brutto tumore, continuando a lavorare sulle scene dei Teatri, con quella passione e quel talento naturale degni della grande tradizione catanese. La ricordo con affetto, con dolcezza, con gratitudine. Per la sua bella carriera teatrale e televisiva. Ma anche per il suo impegno civile, per quella travolgente ironia con cui ha condito la sua vita e ha regalato sorrisi e riflessioni a chi ha avuto la gioia di conoscerla. Catania piange una sua figlia vera.

Il tam-tam anche su Twitter dove da ore si usa l’hashtag con il suo nome, ricordandola come una donna coraggiosa, di garbo, simpatica e come una grande artista.

Il suo ultimo successo risale a poco tempo fa, recitando in “Giganti della Montagna” di Pirandello, insieme a Gabriele Lavia.

Era una di quelle donne sempre pronta a stupire; si pensi alla piéce “Attrice”, un monologo scritto dalla stessa Laganà, con la regia di Gianni Scuto – suo compagno d’arte e di vita – per ricordare Anna Magnani. Era il 1983, fu uno spettacolo fortunatissimo, con oltre 600 repliche in Italia e all’estero, il primo rappresentato al teatro Massimo Bellini, fino al allora il tempio della lirica catanese.

Nellina nella sua lunga carriera aveva lavorato per lo Stabile Etneo, l’Inda, aveva lavorato con registi come Luca Ronconi, Mario Missiroli, Romano Bernardi, misurandosi con i Luigi Pirandello, Giovanni Verga, Giuseppe Fava, Tomasi di Lampedusa, ma anche con i tragici greci e il teatro sperimentale.
Aveva lavorato anche in tv, facendo un cameo nella serie Commissario Montalbano di Sironi e poi ancora con Tornatore e Proietti. Aveva vinto lo scorso 9 dicembre 2019 il Premio Danzuso.  Era nota anche per il suo impegno civile, Nellina Laganà, e fu capace di conquistare tutti con la sua umanità e la sua garbata ironia, oltre che con la carismatica presenza scenica.

Fu lei che lo scorso agosto, insieme ad altri colleghi, diede vita all’iniziativa di andare al porto di Catania con un arancino in mano per accogliere i 177 migranti bloccati da Salvini sulla nave Diciotti.

Sarà in scena al Teatro della Cometa dal 15 al 26 di gennaio, IL MOTORE DI ROSELENA, da un’idea di Gea Martire, drammaturgia di Antonio Pascale e Gea Martire. Protagonista una travolgente Gea Martire, diretta da Nadia Baldi. I costumi sono di Carlo Poggioli.

Storia in forma monologata dell’emancipazione di Roselena, nata e cresciuta dietro al Vesuvio. Il tono è tragicomico, come lei. Roselena è infiammata da una grande passione per le macchine. Una donna! C’è chi si sogna in abito da sposa, chi in tailleur manageriale, lei in tuta da pilota. L’importante nella vita è avere un motore e lei ce l’ha in testa come un chiodo fisso. Fin da piccola. Con molta meraviglia la madre si rende conto che il rumore dei motori delle macchine l’acquieta come nessuna ninna nanna e la mette di buon umore. Crescendo, il suo linguaggio dialettale, spesso sgrammaticato, colorito e poco forbito, diventa adeguato, calzante, perfetto se si ritrova a parlare di motori, carburatori, testate, pistoni, aerodinamicità. Le reazioni di chi la conosce passano dallo stupore alla perplessità allo scherno. Perché le persone intorno a lei sono fossi pieni d’acqua dentro i quali il suo motore si affoga. La bloccano, la mandano in avarìa. Ma Roselena sa aggiustare i motori scassati e truccarli a dovere, e ogni volta mette insieme i pezzi e riparte. Riuscirà ad arrivare alla meta e battere ogni record? O prenderà altre direzioni, condotta da quella macchina che tutti chiamano destino e che procede ignorando i nostri comandi? In ogni caso Roselena avrà vinto perché ha sfidato, combattuto e, di sicuro, non si è annoiata.

 

 

Antonio Calenda, dal 7 al 12 gennaio al Teatro Argentina, dirige “Falstaff e il suo servo”, di Nicola Fano e Antonio Calenda da William Shakespeare; protagonisti Franco Branciaroli, Massimo De Francovich e con Valentina Violo, Valentina D’Andrea, Alessio Esposito, Matteo Baronchelli.

Falstaff, uomo di disperata vitalità, è uno dei personaggi più popolari del canone shakespeariano, benché l’autore gli abbia dedicato, in modo univoco, uno solo dei suoi copioni, per altro quello che la critica solitamente ritiene tra i meno riusciti: Le allegre comari di Windsor. In realtà, Falstaff giganteggia nelle due parti (per altro raramente messe in scena) di Enrico IV e decisamente con la sua presenza ingombrante, anzi la sua assenza ingombrante, segna fortemente Enrico V.

Falstaff è l’alter ego di ogni grande protagonista del teatro di Shakespeare: il suo ossessivo ottimismo (quasi un Candido ante litteram) sconvolge il conflitto tra volontà e destino che permea tutto il canone. «La volontà e il destino hanno vie differenti, e sempre i nostri calcoli sono buttati all’aria: i pensieri son nostri, non già gli esiti loro» fa dire Amleto a uno dei suoi attori e in questa dicotomia (se sia più saggio assecondare il Caso oppure opporvisi con le armi della Ragione) si consumano tutti i testi di Shakespeare. Noi abbiamo trasferito questo duello nel cuore delle avventure di Falstaff (un uomo che confonde i piaceri con la natura, la furbizia con il caso) e gli abbiamo messo di fronte un Servo che – come Iago – crede di poter addomesticare la realtà; o, come Puck, pensa di poter «mettere una cintura al mondo». E il conflitto fra questi due personaggi (che è poi anche quello tra comicità e drammaticità) evoca anche tante altre coppie celebri del teatro shakespeariano (Lear e il suo Matto, Iago e Roderigo, Antonio e Shylock) e della letteratura teatrale in genere (da Don Giovanni e Sganarello a Vladimiro e Estragone). Lo spettacolo, dunque, ripercorrendo gli ultimi giorni di vita di Falstaff (subito prima della sua tragica morte raccontata mirabilmente in Enrico V) evoca tutte le sue avventure: un teatro nel teatro nel quale il Servo assume il ruolo di regista demiurgo (tale era lo stesso Shakespeare, quando metteva in scena i suoi copioni con i Lord Chamberlain’s Men) e Falstaff quello di eroe tragicomico, biglia impazzita nel gioco della vita. Ne viene fuori un catalogo delle beffe (tutto il mondo è beffa, dirà lucidamente il Falstaff di Verdi/Boito) subite dal personaggio fino all’epilogo drammatico: la rottura con l’amico/allievo di sempre Enrico e l’abbandono in solitudine, lontano da quella guerra di Agincourt dove tutti gli altri – non lui – conquisteranno gloria eterna. Naturalmente, in questa cavalcata nella propria vita, Falstaff avrà accanto i sodali che Shakespeare gli aveva assegnato: le comari di Windsor, l’Ostessa, ma anche i compagni di bevute Bardolph e Francis. Anzi, saranno proprio a issarlo su un grande cavallo dal quale egli cadrà definitivamente nella polvere, assecondando il piano terribile del Servo che, grazie a lui, cercherà di trasformarsi definitivamente in un padrone. Insomma, sarà uno spettacolo comico e drammatico insieme: una cavalcata nelle atmosfere shakespeariane, rielaborate per un pubblico di oggi, in grado di cogliere l’eternità del duello tra Caso e Ragione.

Dopo Roma, lo spettacolo sarà in scena il 21 gennaio a Lonigo e dal 22 al 26 gennaio al Politeama Rossetti a Trieste.

Antonio Calenda inoltre, nel 2020 sarà tra i protagonisti della 56esima Stagione di rappresentazioni del Teatro Greco di Siracusa, dove sarà regista di “Le Nuvole” di Aristofane che debutterà il 7 giugno. La commedia, per tutto il mese di giugno e fino al 5 luglio si alternerà con le due tragedie e chiuderà la stagione di rappresentazioni classiche il 5 luglio.

Le Nuvole di Aristofane sarà messa in scena al Teatro Greco di Siracusa per la quarta volta dopo gli allestimenti del 1927, con la direzione artistica di Ettore Romagnoli, nel 1988 con la regia di Giancarlo Sammartano e nel 2011 con la regia di Alessandro Maggi. “Le Nuvole” fu rappresentata per la prima volta ad Atene, alle Grandi Dionisie del 423 avanti Cristo e racconta del contadino Strepsiade, perseguitato dai creditori, che decide di mandare il figlio Fidippide alla scuola di Socrate dove potrà apprendere come prevalere negli scontri dialettici. Davanti alle reticenze del figlio sarà lo stesso Strepsiade a recarsi al Pensatoio del filosofo dove però non capirà nulla di quello che gli viene insegnato. Il figlio Fidippide, incuriosito dai racconti del padre deciderà di seguire gli insegnamenti di Socrate, alla ricerca del modo migliore per prevalere nei duelli verbali, fino ad assistere al dibattito tra il Discorso Migliore e il Discorso Peggiore, e infine a picchiare il padre, dimostrandolo di avere il diritto di farlo e spingendo lo stesso Strepsiade a incendiare il Pensatoio di Socrate.

 

Dal 10 al 12 gennaio sarà in scena a Spazio Diamante lo spettacolo ASPETTANDO MEDEA di Franca Abategiovanni, Nadia Baldi, Antonella Ippolito con Franca Abategiovanni e Antonella Ippolito, regia Nadia Baldi.

Due donne…un copione, le prove di uno spettacolo. Due donne diverse fra loro che interagiscono con un testo, la loro vita privata, i loro sogni e le loro follie.

Nell’ordito della trama del copione si confondono i due personaggi, ora impegnate a trovare la loro miglior interpretazione ora a risolvere problematiche quotidiane ora a sviscerare storie e sentimenti che trascinano lo spettatore in mondi e storie parallele. Medea personaggio complesso di grande forza drammatica ed espressività, affascina e cattura le due attrici. Esse si troveranno più volte a confondersi con Medea, a rappresentare le due facce della sua stessa mente scissa, conflittuale. L’abbandono, l’indifferenza, la vendetta, la ferocia, la forza e la fragilità del personaggio sono sentimenti dai quali restano rapite e condizionate durante le prove. Ma come spesso accade anche nella vita comune il limite fra tragedia e comicità è sempre labile e le due protagoniste finiranno per passare dal comico al tragico restituendo allo spettatore uno scenario godibile e leggero.

L’esposizione sarà aperta al pubblico fino al 12 gennaio, da giovedì a domenica, dalle 18 alle 21

Un percorso nel teatro, nelle rappresentazioni classiche al Teatro Greco di Siracusa, nella storia delle arti visive e sceniche attraverso le opere di artisti come Duilio Cambellotti, Alfonso Amorelli e Lele Luzzati.  La scena ritrovata – Da Cambellotti ai contemporanei è la mostra inaugurata a Siracusa, all’ex convento di San Francesco.

L’esposizione è curata dalla Fondazione Inda in collaborazione con l’assessorato alle Politiche per la valorizzazione del Territorio, lo Sviluppo Culturale e l’Incoming del Comune di Siracusa nell’ambito degli eventi direttamente promossi dall’assessorato del Turismo della Regione Siciliana.

La scena ritrovata documenta lo stretto legame fra lerappresentazioni classiche al Teatro Greco e il mondo delle arti visive e non solo visive che Inda ha sempre nutrito – ha detto Antonio Calbi, sovrintendente della Fondazione Inda –Il teatro è arte dell’ascolto e del vedere. La relazione fra arti sceniche e arti visive è stato uno dei più fertili delle avanguardie del primo Novecento, e questa vivacità fra discipline che potrebbero risultare fra loro distanti è stata un segno forte del secolo scorso, ma con origini che affondano nel Quattro e Cinquecento, a partire dalle progettazioni di teatri e scenografie realizzate da Leonardo nelle sale del Castello Sforzesco di Milano. Ma pensiamo anche agli artisti coinvolti nella creazioni di spazi scenici, da Picasso a Leger a Arnaldo Pomodoro.

Alla straordinaria avventura della Bauhaus, di Weimar e Dessau. Pensiamo all’apporto alla reinvenzione dello spazio scenico degli architetti, un capitolo del quale voglio ricordare almeno Gae Aulenti e il suo sodalizio con Luca Ronconi. O Stefano Boeri e il suo bosco morto come limbo drammatico delle Troiane della passata stagione al Teatro Greco.

Le rappresentazioni classiche rappresentano uno dei tasselli preziosi dell’Heritage materiale e immateriale di Siracusa – sono state le parole di Fabio Granata, l’assessorato alle Politiche per la valorizzazione del Territorio, lo Sviluppo Culturale e l’Incoming del Comune di Siracusa – Questa mostra offrirà a cittadini e viaggiatori una grande emozione e una attrattiva legata alla tradizione Classica e a Cambellotti. La prossima riapertura della sede storica del Gargallo e la trasformazione di San Francesco in un presidio di teatro, arte e cultura saranno ulteriori importanti tappe del progetto

La mostra, il cui titolo, La scena ritrovata, è stato pensato da Manuel Giliberti in occasione della pubblicazione del volume dedicato ai 90 anni di teatro antico a Siracusa scritto dallo stesso Giliberti insieme a Loredana Faraci, nasce con l’obiettivo di proporre al pubblico l’evoluzione scenica in oltre 100 anni di rappresentazioni classiche al Teatro Greco di Siracusa.

Il percorso espositivo è suddiviso in quattro sezioni che consentiranno di ammirare elementi di scenografia, disegni, abiti di scena, fotografie, maquette, macchine sceniche: Duilio Cambellotti. Lo scenografo autodidatta; La scena ritrovata. Dal teatro d’attore al teatro di regia; Antica Mirabilia: Deus ex Machina e macchine sceniche Dal testo alla scena. Studio e visione dei classici(con la partecipazione degli allievi dell’Accademia d’arte del Dramma Antico di Siracusa); I Contemporanei: abiti di scena disegnati da grandi costumisti teatrali e realizzati dal laboratorio sartoriale della Fondazione Inda, i visitatori avranno così la possibilità di conoscere e scoprire l’evoluzione stilistica e la tecnica decorativa attraverso i costumi di scena pensati per le rappresentazioni classiche al Teatro Greco di Siracusa.

L’esposizione sarà aperta al pubblico fino al 12 gennaio, da giovedì a domenica, dalle 18 alle 21. L’ingresso è libero.

Fermo restando che chiunque è innocente fino al terzo grado di giudizio passato in giudicato, viene spontanea la domanda:”quanto vale l’onorabilità, la rispettabilità, la reputazione di un alto funzionario dello Stato?” Se poi questo alto funzionario ha un ruolo delicatissimo, cruciale quale è un Prefetto di una delle tante provincie italiane, la risposta fa ancora più male.

Stando ai fatti, il tutto viene quantificato in 700 euro.
Una mazzetta, una bustarella presa in un bar, da parte del Prefetto di Cosenza.
Bisogna darle atto però, ad onor del vero, che in uno slancio di “legalità” aveva richiesto alla sua vittima di emettere regolare fattura (falsa).  Un dettaglio!

E dire che solo pochi giorni addietro, “Sua Eccellenza” aveva presenziato ad una serata sulla legalità. La cosa mi desterebbe un senso di ilarità se non fosse che pensando al delicatissimo ed importante ruolo del Prefetto mi viene subito alla mente  Carlo Alberto Dalla Chiesa, che fu Prefetto di Palermo nel 1982 e in quello stesso ruolo patì martirio proprio per la Legalità.
Pertanto capite bene che la mia iniziale voglia di ridere, muta in un profondo disgusto e ahimè in un insana voglia di rassegnazione.

Ma bisogna resistere, proprio perché l’esempio di Dalla Chiesa non può e non deve andare perduto.
Bisogna resistere in questa terra in cui proprio chi dovrebbe amministrare la giustizia, e il bene comune, finisce purtroppo per dare il peggio di sé.

Se le accuse, dunque, contro il prefetto di  Cosenza, Paola Galeone, indagato per corruzione, dovessero reggere fino alla fine, sarà l’ennesimo duro colpo ad un già difficile processo di legalizzazione di un territorio già martoriato dalla criminalità organizzata, dalla ‘ndrangheta, perché non bisogna mai aver paura di fare il nome di ciò che è il male per una terra e per chi la abita.

Solo che questa volta non c’è neanche la “giustificazione” della ‘ndrangheta. Anche se ogni volta che si cerca una scorciatoia, ogni volta che si delinque cercando privilegi di sorta, si consumano atteggiamenti mafiosi, alimentati da atavica cultura distorta, dentro camere in cui si consuma ciò che non si deve vedere e che poi sconcerta, dentro il Palazzo di Governo, che dovrebbe essere esempio di correttezza e giustizia ed invece si sgretola sotto il peso di eventi delittuosi come quelli delle ultime ore.

Tutto questo scrivo, indignata,  mentre ascolto il discorso di fine anno del nostro Presidente Sergio Mattarella. Lo ascolto e resto coinvolta da un alone di dignità, onestà e coerenza; quindi penso (di nuovo) che con un Presidente così, non ci meritiamo amministratori “così”!

Con quest’ultimo bel caso di  “Mala Amministrazione” volge al termine questo 2019 non particolarmente felice per questa nostra tanto amata terra; speriamo – come auspicato dal nostro Presidente – in un 2020 di riscatto su tutti i fronti.

L’Italia è una sola: quella del dovere

 

Simona Stammelluti